De 31 de agosto a 2 de dezembro de 2018.
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| Distruktur - obra Imateriais - foto de Distruktur |
No dia
31 de agosto (sexta-feira), o Sesc
Belenzinho inaugura a temporada da exposição coletiva VIA AÉREA. Com curadoria de Marcio
Harum, a mostra reúne
trabalhos de 12 artistas visuais da cena contemporânea nacional e
internacional. A temporada de visitação aberta ao público segue até o dia 2 de dezembro, com entrada
franca.
A exposição traz um conjunto de obras, entre
esculturas, instalação, filme, fotografias e vídeos em disposição aérea, que se
relacionam com a arquitetura da unidade ao explorar o aspecto de leveza e as
transparências. As criações se apresentam suspensas, flutuantes, içadas.
Algumas obras são inéditas, comissionadas
especialmente para a exposição. Os artistas participantes são: Adrià Julià (espanhol, radicado na
Noruega), Daniel Lie & Centro da Morte para xs VIVXS (São
Paulo, SP), Distruktur (duo de
brasileiros, radicados na Alemanha), Ernesto
Neto (do Rio de Janeiro, RJ), Geraldo
Zamproni (de Curitiba, PR), Isabel
Caccia (de Córdoba, Argentina), Jarbas
Lopes (de Nova Iguaçu, RJ), Letícia
Ramos (gaúcha, radicada em São Paulo), Lucía
Madriz (da Costa Rica, radicada na Alemanha), Merce Cunningham (EUA), Fancy
Violence (personagem/alter ego do paulistano Rodolpho Parigi) e Sérgio Bonilha & Luciana Ohira (São
Paulo, SP).
Entre os destaques da exposição, está RainForest (filme transferido para vídeo, de 1968), obra histórica do coreógrafo Cunningham que, segundo o curador Marcio Harum, apontou
as várias direções e indagações presentes na origem dessa curadoria. “De uma
maneira ou outra, esta é a obra gênese da seleção de trabalhos”, comenta. Destaque
também para a instalação de Daniel Lie, artista que reverencia a zona leste de
São Paulo nesta exposição; jovem que vem despontando com forte projeção
internacional no campo das artes visuais.
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| Isabel Caccia -Projeto Can-Can - foto de Res |
Segundo Marcio Harum, VIA AÉREA propõe uma reflexão sobre temas atuais que estão em pauta
na sociedade mundial. “Diversos assuntos prementes da vida contemporânea, e que
mais parecem suspensos no ar sem a força de um debate público mais profundo,
são abordados em seu espectro temático central. Entre eles, preconceito
socioeconômico e racial, conhecimento ancestral na educação, escambos entre
civis, esclarecimentos sobre o papel das ciclovias no urbanismo das grandes
cidades, ambientalismo, conscientização alimentar e monopólio de sementes
transgênicas, histórias de corpos livres e em movimento, memórias coletivas,
afinidades afetivas das redes de micropoder e questões de gênero”, explica o
curador.
Para a temporada, estão também programadas ações
performáticas e atividades para crianças, jovens e adultos. As mesmas são voltadas
para inclusão e acessibilidade, baseadas em práticas cidadãs, dialógicas e
comunitárias. Estas atividades têm o apoio do programa educativo que foi desenvolvido
para a mostra pelo Sesc Belenzinho.
“Muitas
coisas estão em suspensão, em tempo de espera. Evocamos o tempo nesta mostra,
pois todas as pautas são urgentes e as respostas permanecem no ar”. (Marcio
Harum)
AS OBRAS / OS ARTISTAS
Adrià Julià
Captura do
Real – Fotografias / negativos (2018) - Em estúdio
fotográfico o artista produziu uma série de fotografias analógicas em
diferentes formatos. Utilizou papel fotográfico vencido das marcas Kodak e
Fuji. O papel fotográfico destas empresas – ambas diminuíram drasticamente a
industrialização desse papel devido a atual digitalização da imagem – remetem à
época em que a cédula de R$1,00 era válida e ainda circulava em território
nacional. Esse material, que existia até há pouco tempo em caixas de 10
negativos, não é mais produzido, e o fato de haver passado do prazo de validade
oferece resultados inesperados. Basicamente, o que é representada é a queda do
real num espaço abstrato. A experiência é exibida a partir de uma caixa de
negativos Fuji emoldurados e suspensos na captura da imagem da cédula monetário
de R$1,00, que se encontra pairando no ar.
Beija flor – Vídeo (2018)- Esse trabalho, comissionado também para a exposição,
exibe um forte caráter escultórico que utiliza um tecido preto fixado contra a
parede para a projeção de um gif acerca do voo suspenso de um beija-flor; ave
que tinha sua imagem estampada na cédula de R$1,00, que não mais circula, pois
foi trocada por moedas de mesmo valor. Com instalações, cinema,
vídeo, fotografia e publicações,
Adrià Julià examina os significados da representação e o
acontecimento de eventos históricos por meio das dimensões coletivas e
individuais, e as maneiras de negociação da memória, resistência, deslocamento
e sobrevivência. Nascido em Barcelona, 1974, vive e trabalha em Los Angeles e
Bergen (Noruega), onde é professor, desde 2016, na Academia de Arte da
Universidade de Bergen. Realizou exposições individuais na Tabakalera, San
Sebastián; Fundação Miró, Barcelona; Project Art Center, Dublin; Museo Tamayo,
Cidade do México; LAXART, Los Angeles; Artists Space, Nova York; Insa Art
Space, Seul. Tem participado de mostras coletivas no Metropolitan Museum, Nova
York; Museo Reina Sofia, Madri; Witte de With, Rotterdam; Seoul Museum of Art,
Seul; Lyon Biennale, Lyon; Generali Foundation, Viena; 7ª Bienal do Mercosul,
Porto Alegre; Akademie der Künste, Berlim.
Daniel Lie & Centro da Morte para xs VIVXS
Leste a
Leste – Instalação e performance (2018)
- Inspirado
em um novo sentido que o artista de São Paulo, Daniel Lie (São Paulo, 1988), e
suas convidadas da mesma cidade trazem sobre a zona leste para o campo da arte,
o artista revolve a memória de seus habitantes e a noção geográfica do
preconceito como se esta fosse uma tecnologia social perversa, que molda os
desejos e as escolhas afetivas, impedindo que uma série de relações espontâneas
aconteçam. A instalação site-specific é suspensa e faz surgir palavras e frases em faixas
com escritos vazados – letras recortadas ou esvaziadas sobre tecido, como um
grande stencil, deixando a luz da
parede externa de vidro transpassá-la. Junto a isso, imagens ampliadas de um
arquivo pessoal familiar e impressas sobre tecido completam a obra, que envolve
arranjos grandiosos de flores e plantas em estruturas diagonais e horizontais.
Houve duas edições anteriores deste projeto investigativo. Como pesquisa
artística, o projeto está em andamento, desde julho de 2016, e teve sua
primeira apresentação como desenho de ideia em fevereiro de 2017, em Teresina
(PI), no Espaço Campo. Uma segunda versão foi desenvolvida em maio de 2017, em
Viena, na Áustria, durante a programação do Performeum. Para este trabalho inédito,
pensado especialmente para a ocasião, contou-se com colaboração e fotografias
de Anerina da Costa, criação técnica de Arte Técnica, poesias por Carmen
Garcia, coordenação de projeto por Daniel Lie e performance por Jup do Bairro.
Esta nova criação e montagem do projeto ocorrerá apenas desta vez e não será
reapresentada.
O Centro da Morte para xs VIVXS é uma estação que consiste na
criação de ambientes a partir de hibridização de linguagens, como instalação,
performance, arte sonora; um espaço para estar, para práticas ritualísticas e
um lugar para o estudo, onde processo e pesquisa são ligados. O C.M.P.V também
tem o objetivo de quebrar as fronteiras entre artista e visitante - baseado em
uma metodologia libertadora em que educadxr(a) e estudante compartilham um
local horizontal em que ambxs aprendem e ensinam. Como conceito ético, é
buscada a criação de ambientes para o alinhamento de relações - dos corpos,
gêneros, formas de vida e de não-vida.
Distruktur
Colcha de Retalhos – Objeto (2014) / Imateriais - Instalação (2010-2018)
- O duo de artistas brasileiros radicados em Berlim, desde 2006, Melissa
Dullius (Porto Alegre, 1981) e Gustavo Jahn (Florianópolis, 1980), apresentam
uma peça costurada a mão a partir de centenas de fragmentos têxteis que
constroem sua memória afetiva ao longo dos anos em que vivem na Alemanha. São
pedaços de camisetas, lençóis, almofadas, panos de prato, sacolas de pano, que
formam um patchwork caleidoscópico e atemporal. Em comunhão à peça, um
carrossel de slides dispara imagens alternadas, selecionadas randomicamente
destes momentos testemunhados e compartilhados no
cotidiano de trabalho, geradas pelos dois artistas.
Movendo-se pelas fronteiras entre arte, fotografia e cinema experimental
e narrativo, Melissa & Gustavo com Distruktur, exploram diferentes níveis
da experiência sensorial e intelectual. Desestabilizam as noções do real e do
imaginário ao mesmo tempo em que fundem as camadas de passado, presente e
futuro. Desterramento e transposição são estratégias para se produzir
transformações, e as narrativas instáveis a que dão vazão sugerem que há tantas
outras maneiras de comunicação. Combinando ficção com conteúdos de arquivo pessoal,
os filmes da dupla fazem abrir uma espécie de baú coletivo, onde são
reencontrados e reorganizados símbolos de diversas eras e lugares, denotando as
veias profundas que unem os indivíduos e as culturas que os formam.
Distruktur tem
participado de festivais de cinema como em 2016 da 66° Berlinale, Forum
Expanded, Berlim e da 40ª Mostra Internacional de Cinema, New Directors
Competition, em São Paulo, do MFF Nowe Horyzonty, Films On Art International
Competition, Wroclau, Polônia, Melbourne Int. Film Festival, International
Panorama, Melbourne, Austrália. Em 2015, do 19º Videobrasil, São Paulo; em 2013,
do 31° Torino Film Festival, Sezione Onde, Turim, Itália; em 2011; do BAFICI -
Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente; e, em 2009, da 59ª
Berlinale, Forum Expanded, Berlim. Entre as exposições destacam-se a de 2016, 12x12, na Berlinische Galerie, Berlim;
em 2013, Ritual Room, Contemporary Art Centre, Vilnius, Lituânia; e, em
2012, Filmesperformance, no Paço das Artes, em São Paulo. Começaram a fazer
filmes em Porto Alegre no ano 2000, primeiro em Super 8 e depois em 16mm.
Depois de mudarem-se para Berlim e juntarem-se ao grupo fundador do coletivo
LaborBerlin e.V passaram a incorporar práticas experimentais de filmagem e
revelação analógicas ao seu processo criativo. Seus trabalhos são filmes,
instalações, filmesperformance, fotografias, textos e materiais gráficos.
Filmografia selecionada: El Meraya, 19 min, 2018; Muito Romântico, 72 min, 2016; Máquina
Do Tempo, 5 min, 2014; In The
Traveler's Heart, 20 min, 2013; Don't
Look Back / Labirinto, 6 min, 2012; Cat
Effekt, 40 min, 2011; Triangulum,
22 min, 2008; Éternau, 21 min, 2006.
Ernesto Neto
Entre o Céu
e a Terra Estamos Nós (Omaê) - Escultura (2017)
- Para Ernesto Neto, a manifestação do sagrado acontece em estados meditativos
através de profunda relação com a natureza. Tanto o tecido que se entrelaça
para formar a trama do crochê quanto as cores usadas pelo artista evocam esta
relação. Entre o Céu e a Terra Estamos
Nós (Omaê) convida os visitantes a sentarem-se em um banco de madeira e
colocarem a obra na cabeça, criando uma conexão com ela e, em sentido mais
amplo, com o próprio sagrado.
Seu trabalho é bastante reconhecido por
situar-se entre a escultura e a instalação, e pela experimentação com diversos materiais.
Utiliza-se de materiais como meias de poliamida, entre outros (maleáveis e do cotidiano).
Realiza esculturas de malha fina e translúcida, preenchidas com especiarias e
ervas de diferentes cores e aromas. As formas se assemelham à pele e se moldam
organicamente ao espaço. Ernesto Neto passou a produzir "naves",
estruturas têxteis e transparentes nas quais o público penetra.
Nasceu
no Rio de Janeiro, em 1964, onde vive e trabalha. Algumas de suas exposições
individuais mais recentes foram: em 2018, GaiaMotherTree, em Zurique, na
estação central de trens; Museu do Amanhã, Rio de Janeiro; em 2017, O Sagrado é
Amor, na galeria Fortes D’Aloia & Gabriel, em São Paulo; em 2016, Yubẽ
Jibóia Boa, Museum of Contemporary Art Kiasma, Helsinki; TBA21,
Thyssen-Bornemisa Art Contemporary, Viena; em 2014, The Body that Carries Me,
Guggenheim Bilbao, na Espanha. Entre as coletivas destacam-se: as Bienais de Veneza (2017), de Lyon (2017) e de
Sharjah (2013). Sua obra está presente em diversas coleções importantes, como:
Centre Georges Pompidou (Paris), Daros Latinamerica (Zurique), Inhotim
(Brumadinho), Guggenheim (Nova York), MOCA (Los Angeles), MoMA (Nova York),
Museo Reina Sofía (Madri), SFMOMA (San Francisco), Tate Modern (Londres), entre
outras.
Fancy Violence
Fancy Violence em Catwalk – Vídeoinstalação,
Site-especific (2108) - Videoinstalação em que o movimento de caminhar da
persona artística Fancy Violence é posto em observação pelo público, a partir
de ângulos inusitados, como se a figura humana dela pudesse, por efeitos ópticos
especiais, andar verticalmente sobre as paredes. A persona Fancy, quando por
Rodolfo Parigi, já causou uma grande repercussão. Devido a seu apelo e impacto,
e por haver sido elaborado tamanho engenho tecnológico, aparece aqui como obra
comissionada especialmente para a mostra Via
Aérea.
Em 2013, a personagem Fancy Violence se materializou em uma
performance no Pivô, em São Paulo, e desde então vem se apresentando em algumas
instituições artísticas. Além de aparições em performances, manifesta-se como
uma importante presença encarnada no conjunto da obra de seu criador, o artista
Rodolpho Parigi.
Rodolpho Parigi, nasceu em São Paulo, em 1977. Trabalha com desenho,
pintura e performance. Participou de residências artísticas como FLORA Ars +
Natura, Bogotá, 2011; Cité des Arts, Paris, 2009; Red Bull Station, São Paulo,
2011. Participou de exposições coletivas recentes que incluem: Depois do Fim,
Fundação Iberê Camargo de Porto Alegre, 2017; A Mão Negativa no CAC de Vilnius,
na Lituânia em 2017; Modelo_Vivo na Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2017;
Supensão, no Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, 2016; Panoramas do Sul
- Festival de Arte Contemporânea Vídeobrasil-SESC, 2015; A Mão Negativa, na EAV
Parque Lage, Rio de Janeirol, 2015; Programa de Exposições do Centro Cultural
São Paulo, 2013; Spinerei, Leipzig, 2011. Suas obras fazem parte de coleções
como: Pinacoteca do Estado de São Paulo, Itaú Cultural de São Paulo, Museu de
Arte Moderna da Bahia, Salvador, e Museu de Arte de Ribeirão Preto, entre
outras.
Geraldo
Zamproni
Modus Vivendi - Escultura (2018) - Esse trabalho de Geraldo Zamproni lida com a noção
de extremos opostos aos quais estamos sujeitos a cada momento: o leve e o
pesado, o caro e o barato, o prático e o inútil. Como monstros fora do abrigo,
pendem do teto elementos que aparentam estruturas robustas e imponentes, mas
que para nada servem. A viga de compensado não pode sustentar nada; os
vergalhões são de reina, mas parecem ser de concreto e não serão engate para
nenhuma construção.
Geraldo Zamproni nasceu em Floral no Paraná,
e vem trabalhando exclusivamente com projetos artísticos há mais de duas
décadas. Interessa-se pela qualidade estética de objetos industriais, como
plástico, ferro e espuma. Em anos mais recentes, seus trabalhos têm explorado de
forma bastante particular as características da área que estuda há tanto tempo,
a arquitetura. Tanto na manipulação de materiais, quanto do espaço, suas
instalações, esculturas e intervenções urbanas visam alterar visualmente o
espaço que as rodeiam, explorando a relação entre objeto, ambiente e
observador, com efeitos de estranhamento e instabilidade, propondo estabelecer
um diálogo com o público que se sustenta através das referências e elementos
desterritorializados de sua escala, seu uso e habitat. O processo de criação
para qualquer um de seus projetos varia de acordo com as características de
cada projeto. Maquetes, testes de materiais e sketches, parte da própria
manipulação espontânea da matéria. O que se sobressai como residual de sentido
é o feitio artesanal dos materiais escolhidos para dar vazão a sua obra.
Isabel Caccia
Projeto
Can-Can - Intervenção performática + instalação (2002-2018)
- Isabel Caccia, artista argentina, propõe o escambo e o reaproveitamento de
meias finas femininas (que podem ser desfiadas ou rasgadas) por uma sessão de
unhas pintadas. O projeto sinaliza possibilidades para mecanismos poéticos de
reciclagem, mas também materializáveis. De sua larga experiência em diversos
países com a ação, vem reafirmar aqui o lugar de encontro num espaço
tipicamente feminino, sendo aberto a todxs. Os momentos da ação acontecem em
áreas de descanso e convivência do Sesc Belezninho, convidando o público
interessado a interagir com a obra e a conversar com a artista. A instalação do
material em áreas externas da unidade causa uma estranha e bela sensação, uma
vez que malhas iluminadas, como se fossem redes de teias de aranha, estão
conectadas e esticadas por entre as árvores.
Isabel
Caccia nasceu em Córdoba, Argentina, em 1975. Atualmente, vive e trabalha em
Semilla Salvaje, espaço que criou mesclando arte, permacultura e maternidade,
localizado na Reserva Hídrica dos Mananciais do Rio Ceballos, nas serras de
Córdoba. Realizou estudos com Jaime Munárriz, Regina Galindo, Joan Fontcuberta
e Enrique Marty. Recebeu os seguintes prêmios: em 2014, o prêmio de performance
com Banco de Semillas Urbanas concedido pelo Mercado de arte/EGGO, Córdoba; em
1999, 2000 e 2010, a bolsa do ministério de educação da Argentina. Sua
experiência com a docência começou com um convite da Cátedra de Gabriel
Gutnisky na Faculdade de Artes da Universidade Nacional de Córdoba, e continua
dando workshops em espaços culturais de Córdoba, General Roca, Mar del Plata,
Brasília. Dirige cursos de formação e residências de arte como experiências
imersivas junto à natureza de Semilla Salvaje. Realizou exposições individuais
e participou de coletivas, incluindo bienais internacionais em diferentes
países.
Jarbas Lopes
Trecho
Experimental Móvel da Cicloviaérea – Instalação
(2008-2018)– A obra projeta uma outra aventura para as possibilidades de suas
prévias construções das ciclovia aéreas, estendendo à via o sentido de um
grande território da natureza, e que corre risco de desaparição se não for
preservada. A técnica concebe um equipamento que possibilite a construção da
pista, atravessando florestas, sem derrubar sequer uma árvore. Na construção, a
parte do primeiro plano elevado servirá de apoio para que a pista se alongue
sobre si mesma. Será distribuído ao público um fanzine com ilustrações do
próprio artista, especialmente desenvolvido para a ocasião. A vinda de um
ônibus também está prevista como ação comunitária, colaborativa e
participativa, pois trata-se de uma propositura produzida do próprio artista
Jarbas Lopes.
Jarbas Lopes nasceu em Nova Iguaçu, Rio de
Janeiro, em 1964. Vive e trabalha em Maricá, na região dos lagos no Rio de
Janeiro. Algumas exposições individuais importantes: em 2017, no CRAC, Alsace,
França; Galeria Luisa Strina, São Paulo, 2015; Galeria Baginski, Lisboa, 2013 e
2010; Jack Tilton Gallery, New York, 2013; Galería A Gentil Carioca, Rio de
Janeiro, 2009; Estação Cicloviaerea, Centro Cultural São Paulo, 2007; Novas
Utopias, MAMAM do Recife, 2007; e Cicloviaérea, ASU Museum of Art, Phoenix,
Arizona, Estados Unidos, 2007. Bienais e mostras internacionais: 11ª Bienal de Lyon, 2011;
look.look.again, 2009; Gwangju Biennial, Córeia do Sul, 2008; 27ª Bienal de São
Paulo, 2006; Oitava Bienal de Havana,
2003; e Panorama da Arte Brasileira, no MAM de São Paulo, 2000 e 2011. Obras em
coleções: MoMA, Museum of Modern
Art, Nova York; Instituto Cultural Inhotim, Brumadinho; Bronx Museum, New York;
Victoria & Albert Museum, Londres; Arizona State University Museum; The
Cisneros Art Foundation e Henry Moore Foundation, Londres; e Coleção Gilberto
Chateaubriand, MAM do Rio de Janeiro.
Letícia Ramos
Grão – Frame - Filme 16mm transferido para vídeo (2016) - O filme conta a história
de uma colônia humana em um planeta incógnito onde um antigo silo de cereais
foi implantado. Eventos naturais e mudanças climáticas fazem com que o silo se
rompa e dê início a uma estranha plantação.
Paisagem #1
/ Paisagem #2 – Microfilme impresso sobre papel de algodão
(2014) - O registro em microfilme, material e técnica utilizados rotineiramente
para reprodução e arquivamento de documentos, fez com que a artista
apresentasse resultados fotográficos de representação de uma paisagem
atemporal, como se fosse um ambiente abandonado pelo homem, e que a natureza se
encarregou de reconquistar. Materializa-se na forma de polaroides de ampliações
panorâmicas.
Seu foco de
investigação artística é a criação de aparatos fotográficos próprios para a
captação e reconstrução do movimento, e sua apresentação se materializa nas
mídias: vídeo, fotografia e instalação. Com especial interesse pela ciência da
ficção, em suas séries como ERBF,
Bitácora e Vostok, desenvolve complexos romances geográficos. O acaso, a
experimentação com o fotográfico e o processo artístico são as direções de seu
trabalho.
Leticia Ramos nasceu em
Santo Antônio da Patrulha, RS, em1976. Vive e trabalha em São
Paulo. Cursou Arquitetura e Urbanismo na UFRGS, em Porto Alegre, e Cinema na
FAAP, em São Paulo. Suas obras já foram expostas nos espaços Tate Modern,
Centro de Arte Pivô, Itaú Cultural, Centro Cultural São Paulo, Parque Lage,
Museu Coleção Berardo, Instituto Tomie Ohtake e CAPC - Musée d’art contemporain
(Bordeaux). Ganhou importantes prêmios, residências artísticas e bolsas de
produção artística, entre eles o Prêmio Marc Ferréz para o desenvolvimento do
projeto Bitácora (2011/2012), que resultou no livro de artista Cuaderno de
Bitácora, e participou da residência The Artic Circle (2011) a bordo de um
veleiro rumo ao Pólo Norte. Em 2013, desenvolveu o projeto [VOSTOK], que
consistiu numa viagem ficcional a um lago pré-histórico submerso na Antártida,
que resultou em uma publicação virtual, filme 35mm, livro e LP, e uma
performance que foi apresentada durante a edição do 19º Festival
SESC-Videobrasil (2015). Em 2014, foi contemplada pela Bolsa de Fotografia do
Instituto Moreira Salles onde desenvolveu a pesquisa Microfilme e ganhou o
prêmio internacional de fotografia BES Photo em Lisboa. Recentemente, recebeu a
Bolsa de Artes da Fundación Botín (Espanha) para o desenvolvimento do projeto
Historia Universal de Los Terremotos. Tem obras nas coleções do MAM – Museu de
Arte Moderna de São Paulo, MAM – Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Itaú
Culltural, Fundação Joaquim Nabuco, Fundação Vera Chaves Barcellos no RS, MAC –
Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul, Instituto Moreira
Salles, Associação Cultural Videobrasil e Nouveau Musée National de
Monaco.
Lucía Madriz
Dinner Party – Escultura (2108) - A escultura instalada de Lucía Madriz trata criticamente do acesso a
alimentos de boa qualidade que está se tornando cada vez mais um privilégio
sócio-econômico. A comida orgânica é cara e, muitas vezes, é vendida como delicatessen. Enquanto isso, alimentos nutritivos
tradicionais são deixados para trás, dando lugar a junkfood e fastfood que
estão se tornando parte importante da dieta das pessoas em todo o mundo. A
artista apresenta um enorme lustre feito com correntes de feijão preto. A artista
trabalha com instalação, vídeo, pintura e desenho. Seu interesse central é
descobrir como os seres humanos se conectam com a natureza; preocupa-se em como
percebemos e nos afetam os assuntos ambientais. Para Lucía é importante
evidenciar que a construção dessa abstração chamada de mundo se inicia com
nossos próprios hábitos e atitudes.
Lucía Madriz nasceu em 1973, em San José, na Costa Rica.
Vive e trabalha em Karlsruhe, Alemanha. Tem exibido individualmente em várias
instituições e galerias, entre as que mais se destacam são: Museo de Arte y
Diseño Contemporáneo - MADC, Fundación TEOR/éTica e Des Pacio (todos em San
José, Costa Rica), Badischer Kunstverein (Karlsruhe, Alemanha), DPM (Miami),
Peter Borchardt (Hamburgo) e Freijo Gallery (Madri). Seu trabalho tem sido
exposto em mostras coletivas no Palais de Tokyo (Paris), COP 21 de Paris, Pratt
Manhattan Gallery de Nova York, MAD - Museum of Art and Design de Nova York, na
55ª Bienal de Veneza, I BIACI - Bienal de Cartagena na Colômbia, II Bienal de
Montevidéu, 8ª Bienal do Mercosul (Porto Alegre), III Bienal del Fin del MUndo
na Argentina, X Bienal Centroamericana em San José, 10ª Bienal de Havana, entre
outros.
Luciana Ohira e Sérgio Bonilha
Hipótese Imanente - Escultura (2014) - Hipótese Imanente consiste em um fio de
cobre esmaltado, ímãs e parafusos que ligam o cimo à base, numa linha
interrompida visualmente, mas que não está interrompida fisicamente pelo
fenômeno. Se o alto pende do teto, o baixo levita por força invisível
exatamente por estar preso ao chão.
Hipótese Volátil – Vídeo (2018) - Um drible
encontrado acidentalmente no atual estágio de “desenvolvimento” capitalista,
que evita deixar que se pense um pouco melhor sobre /naquilo que fazemos. Os
artistas resumem o projeto a uma instalação que reúne os vestígios do
lançamento de um aeromodelo F1D no local de exposição. O próprio aeromodelo, um
estojo de transporte e o vídeo de registro do seu lento voo que nos traz a
sensação de desaceleração do entorno. Movimento que mais parece flutuação ou slow motion é um singelo enfrentamento
da constante solicitação por performance; um “preferiria não” ao modo de
Bartleby, é o gesto crítico mencionado por Ohira e Bonilha.
Luciana Ohira (São Paulo, 1983) e Sergio Bonilha (São Paulo,
1976), são licenciados em Artes Visuais pela USP e mestres pelo programa
Poéticas Visuais da mesma universidade. Sergio Bonilha é docente no
departamento de artes da UFMS, em Campo Grande. Em conjunto, apresentaram seus
experimentos em diferentes países. Atuam
juntos, desde 2006, com mostras individuais como Notarium
– Gabinete de Pequenas Diferenças, em Aveiro, Portugal, 2009; Temporada
de Projetos 2009, Paço das Artes, São Paulo; Luciana
Ohira e Sergio Bonilha, Centro Cultural São Paulo, 2008; e Expansões Contráteis, MAC‑Curitiba,
2007. Participaram de exposições coletivas no Instituto Cervantes, São Paulo,
2010; Centro Cultural São Paulo, 2009; na III Bienal de Porto Santo, Portugal,
2009; no Korea Center‑Beijing, na China, 2008; e no Centre Pompidou, Paris,
2008.
Merce Cunningham
RainForest - Filme transferido para vídeo (1968) - Esta é a obra
histórica da mostra Via Aérea, e como tal, apontou a várias direções e
indagações presentes no lugar de origem da curadoria. De uma maneira ou outra,
esta é a obra gênese desta seleção de trabaljhos de arte. O título RainForest surgiu das memórias de
infância de Merce Cunningham no noroeste da região onde fica a floresta da
Península Olympica, no estado de Washington. RainForest difere de outras peças de Cunningham, pois com exceção
dele mesmo, cada um dos seis dançarinos desempenhava seu papel, e depois
deixavam o palco, e não mais retornavam. Andy Warhol concordou que Cunningham
usasse sua instalação SilverClouds -
uma série de travesseiros mylar cheios de gás hélio para que flutuassem
livremente no ar. Os dançarinos usaram calças e collants cor de carne que
Jasper Johns (não creditado) cortou com uma lâmina de barbear, para dar aos
trajes uma aparência áspera. A música é de David Tudor e evoca o chilrear e
cantarolar dos pássaros e pequenos animais da floresta.
Merce Cunningham (Centralia, Washington, 1919- Nova York,
2009) foi um dos líderes da vanguarda americana ao longo dos seus 70 anos de
carreira e é considerado um dos mais importantes coreógrafos do nosso tempo.
Durante grande parte de sua vida, ele também foi um dos maiores dançarinos
americanos. Com a carreira marcada pela constante inovação, Cunningham expandiu
as fronteiras não apenas da dança, mas também das artes visuais e da
performance. Iniciou sua carreira profissional de dança moderna, aos 20 anos,
com uma vaga de seis anos como solista na Martha Graham Dance Company. Em 1944,
apresentou sua primeira coreografia individual e, em 1953, criou a Merce
Cunningham Dance Company como um fórum para abordar suas ideias de inovação em
relação a dança. A duradoura experimentação de Cunningham o transformou em um
visionário na aplicação de tecnologia às artes. De todas as suas colaborações,
o trabalho junto com John Cage, seu parceiro de vida, desde os anos 1940 até a
morte de Cage, em 1992, teve a maior influência mútua em suas práticas
artísticas no campo da dança e da música.
SERVIÇO
Exposição: VIA AÉREA
Curadoria: Marcio Harum
Inauguração (p/ convidados): 30 de agosto. Quinta, às 20h
Visitação: 31 de agosto a 2 de dezembro de 2018
Terça a sábado, das
10h às 21h. Domingos e feriados, das 10h às 19h30.
Agendamento de visitas
educativas: (11) 2076-9704 (das 10h às 17h) ou agendamento@belenzinho.sescsp.org.br.
Sesc Belenzinho
Endereço: Rua Padre Adelino, 1000
Belenzinho – São Paulo (SP). Telefone: (11)
2076-9700
Estacionamento: Para espetáculos com
venda de ingressos após as 17h: R$ 15,00 (não matriculado); R$ 7,50 (credencial
plena no SESC - trabalhador no comércio de bens, serviços e turismo/ usuário).
Assessoria
de imprensa – Período: 15/07 a 02/12/2018
VERBENA
Comunicação
Eliane Verbena / João Pedro
Tel: (11) 2738-3209 / 99373-0181 - verbena@verbena.com.br
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